jueves, 16 de junio de 2011

Conclusión del Curso

Como conclusión sobre el curso, tengo una conclusión favorable. Aunque he de decir que empecé con más ganas que con las que he terminado.

Una de las razones es la indisponibilidad de los modelos, los cuales han puesto muchos problemas a la hora de posar a causa del frio por culpa de problemas relacionados con la calefacción. Como es lógico, debemos comprender su situación, aunque también pienso que ellos deberían comprender la nuestra, y si hay algún problema con la calefacción, es algo que debería haberse solucionado entre todos y no echar la cargar al de al lado.

Otra razón seria el tema del horario los martes, el cual ha afectado también negativamente tanto al tema relacionado con el frio dentro del aula, como a la falta de alumnos en general.

La otra razón que me gustaría comentar es sobre el horario que he tenido este año, el cual ha sido un poco irregular, lo que me ha impedido centrarme como me hubiera gustado en un principio. Esto ha provocado problemas a la hora de trabajar en casa, y me he tenido que esforzar más a la hora de buscar tiempo para trabajar en casa (y algo parecido me ha pasado también con el tema económico).

A pesar de todo lo mencionado antes, como ya dije al principio la conclusión es favorable. Pienso que he podido sacar cosas positivas de este curso. Tanto con las pinturas realizadas, las cuales creo que me han ayudado a aprender sobre todo sobre composición y color. Como los videos que hemos visto en clases, los cuales algunos de ellos me han parecido de lo más curioso e interesante, haciendo especial mención al video de “Maurizio Cattelan”, el cual además me pareció bastante divertido por algunas obras.

Sobre la nota que pienso que merezco… Es un tema sobre el que no me gusta opinar, entre otras cosas porque ni siquiera yo mismo lo sé. A pesar de ello diré que he trabajado en la asignatura, creo que he sido constante independientemente del resultado. De este modo espero superar el curso. Aunque sobre la nota que pienso que merezco no voy a entrar en detalles puesto que yo no soy quien debe evaluar eso.

Por último quiero comentar que como alumno, he echado un poco en falta que el profesor me haya comentado un poco más mi trabajo, ya que a veces no sabía si estaba haciendo las cosas bien o en cambio lo hacía mal. Y los consejos que he tenido durante el curso cuando si he tenido esos comentarios pienso que me han sido bastante útiles y quizás me hubiera gustado haber recibido más. Aunque también entiendo que a causa de los problemas comentados al principio no se ha podido dar bien esa situación.

Joan Hernandez Pijuan "Pensamiento de un artista"

Sería difícil encuadrar a Joan Hernández Pijuan dentro de las sucesivas corrientes artísticas y las modas dominantes de las últimas décadas, pero sin embargo es indiscutible que forma parte de las inquietudes estéticas de las épocas en las que le tocó vivir.

La fuerza de su creatividad individual, hace que el artista nunca quisiera incluirse en una tendencia concreta, siempre rechazó el que se le definiera como un pintor abstracto al considerar que parte siempre de la realidad; "tengo que tocar con los pies el suelo para hacer lo que pretendo hacer", afirmaba.

En sus comienzos (1953) nos muestra un estilo expresionista con resonancia existencial en exposiciones colectivas, siendo su primera exposición individual en 1955; un momento en que esquematizó su expresionismo y comenzó a manifestar una preocupación por los volúmenes, un gusto por la sobriedad y una clara intención de ordenar los elementos.

Tras su paso por París, dos años mas tarde, adopta una figuración geométrica con naturalezas muertas sobre franjas de colores grises y verdosos y cuadrículas que le permiten una interpretación personal del arte informal, con un nuevo estilo pictórico de acción de contrastes y explosiones violentas, donde predomina sobre todo el negro y blanco.

En la década de los sesenta, su trazo gestual se convierte en un elemento geométrico o anatómico, sintiendo cada vez mas interés por la relación entre los espacios vacíos y el objeto, de naturaleza real (una manzana, un huevo, o una copa), que habitualmente se encuentra aislado, dando una dimensión metafísica al espacio en que se encuentra.

En la década siguiente es cuando se podría decir que nace el artista como lo conocemos actualmente, ya que tras la búsqueda de los años precedentes, es en este momento cuando encuentra la forma de transmitir al espectador el sentimiento de densidad del fondo del cuadro, que cobra gran importancia en el envolvimiento del sujeto que se incorpora en el mismo. No se trata simplemente de un fondo, sino que pasa a ser el protagonista de la obra, conformando todo una unidad.

La década de los setenta supone para el artista un progresivo descubrimiento de nuevas dimensiones en la pintura, tomando como origen el paisaje. En primer lugar aparece la regla y los espacios milimetrados para luego pasar a la vivencia del paisaje real, que le hace acentuar la ficción de la perspectiva con texturas, con gradaciones, y otras técnicas diversas. Como estudios de color, luz y movimiento sobre el espacio limitado del que se compone el paisaje, dando lugar a una visión fragmentada en el que el campo es monocolor, dando paso a la atmosfera en esta noción del color. La trama de pinceladas, minuciosamente superpuestas se van abriendo y dejan vibrar el color de las capas inferiores.

En la década de los ochenta su pincelada se abandona a la inmediatez y partiendo de pequeñas manchas nos presentan un recorrido visual en el que el paisaje se muestra como un trayecto que va de lo global a lo particular, con referencia a grandes superficies que se modulan o vibran para aludir a las plantas y flores, que es el centro de la atención y la sensación, recibiendo un mensaje callado de las mismas.

A finales de esta década se podría decir que sus obras se vuelven cada vez más sintéticas y resumen una serie de constantes y de rasgos característicos de su lenguaje artístico, aunque a la vez incluye aspectos nuevos, como la tensión entre el dibujo y la pintura.

Durante la década de los noventa y en adelante, vuelve el dominio del color con celosías que cierran la puerta o la ventana, que era el paso que quedaba abierto desde el interior al exterior. Cultiva la memoria, partiendo de la creación y el sentimiento que le empuja a buscar nuevas salidas, dejando en un segundo plano la nostalgia.

La estética característica de los últimos años envuelven su obra, que se vuelve mas densa y la manera en la que se trabaja la materia sobre la tela cobra protagonismo, conformado por las líneas del dibujo. Lo que da lugar a una formula particular de paisajismo, partiendo de su experiencia pictórica y en el que los caminos, surcos y montañas lo son a modo de símbolos.

Joan Hernández Pijuan es, en definitiva, un pintor paisajista, pero no en el sentido tradicional, porque la suya no es una pintura fotográfica ni representativa; son solo sensaciones, sintetizando el alma del paisaje, por medio de indicaciones de los objetos que lo compone: el surco, el camino o el árbol en el campo cultivado por el hombre…

martes, 14 de junio de 2011

Trabajo 5

Interpretación de modelo del natural en óleo

miércoles, 18 de mayo de 2011

Proyecto Personal “Cosmos”

0-Introducción

Habiéndome planteado diferentes ideas para el proyecto personal, definitivamente he optado por enfocarlo a la animación experimental, utilizando para ello las nuevas tecnologías. Por lo tanto, la idea sería crear una obra audiovisual. Con esta obra se buscaría un estado desconcertante a la vez que casi hipnótico, buscando no otra cosa que el entretenimiento y el placer visual-auditivo a través de la belleza plástica y el sonido, con imágenes y sonidos que no acostumbramos a ver en la vida cotidiana, creando así un universo nuevo con el que a través de esa sensación casi hipnótica el espectador no quede indiferente.

Ejemplo de animación experimental

"Early Abstractions" (1946-57), Pt. 3. Oskar Fischinger

domingo, 15 de mayo de 2011

Trabajo 4

Interpretación de modelo del natural en acuarelas

Trabajo 3

Pintura de modelo del natural a óleo

martes, 25 de enero de 2011

Trabajo 2

Pintura de modelo del natural a óleo

lunes, 24 de enero de 2011

Apuntes Expresionismo Abstracto

El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra fría.

Dentro del expresionismo abstracto podemos destacar autores como:

Robert Motherwell

Robert Motherwell figura entre los más grandes artistas contemporáneos de Estados Unidos. Pionero del expresionismo abstracto en los años cuarenta, su poderosa obra artística utiliza una amplia gama de técnicas que van del collage a la pintura al oleo, pasando por el dibujo y la obra grafica. Además, como escritor y pensador, Motherwell ha sido durante décadas portavoz destacado de la modernidad de su país. Su prestigiosa figura ha desempeñado un papel tan importante como dinamizador en el campo de la cultura norteamericana.

Todas sus obras se basan en una dialéctica entre lo consciente (líneas rectas, formas diseñadas, colores sopesados, lenguaje abstracto) y lo inconsciente (líneas suaves, formas oscuras, automatismo). Sobre esta dialéctica entre la pulsión y la interpretación, el gesto y la idea, la mano y la mente, se asienta la obra de uno de los principales pintores americanos de nuestro siglo.

Mark Rothko

Pintor estadounidense de origen letón. Emigró a Estados Unidos cuando todavía era un niño. Cursó estudios universitarios y su formación artística fue esencialmente autodidacta.

Tras unos inicios en que se acercó al surrealismo y el expresionismo, llegó a un estilo absolutamente personal que lo convirtió en una de las figuras más destacadas del expresionismo abstracto, siendo a menudo encuadrado, junto con B. Newman o S. Francis, en la corriente denominada del campo de color.

Sus obras, normalmente de grandes dimensiones y agrupadas en series, presentan muy poca variación compositiva y consisten básicamente en rectángulos de varios colores que se suceden paralelamente de arriba abajo, recuerdan a la obra de “Monje mirando al mar” de Friedrich, con bordes ligeramente irregulares en las zonas de separación tonal.

La intención del artista fue siempre aprehender el absoluto por medio de una aproximación contemplativa y sensibilista. Su paleta cromática fue oscureciéndose con el paso de los años, se especula que en correspondencia con un estado depresivo que lo llevaría al suicidio.

Jackson Pollock

Jackson Pollock es uno de los representantes más significativos del expresionismo abstracto americano. Dio a los espectadores de sus cuadros un consejo:
"Deben intentar asimilar lo que el cuadro les ofrece y no traer en la mente un contenido principal y una opinión tomada de antemano y buscar su confirmación en el cuadro"
Jackson Pollock hizo caer la pintura tradicional en el sentido estricto de la palabra. Su forma de pintar era nada convencional. Extendía sus lienzos sobre el suelo, dejaba chorrear la pintura de grandes pinceles y latas agujereadas. También arrojaba con salvajes movimientos la pintura como si fuera un pequeño derviche y en otras ocasiones Pollock corría por encima de sus lienzos colocados en el suelo. De esta manera, Pollock valora más la acción que la obra finalizada.
Mediante una acción controlada, pero también determinada por la casualidad, Pollock cubría el lienzo de color en un proceso que se desarrollaba prácticamente por sí mismo. La falta de puesta en escena de un reparto específico y de una relación armónica composicional acentúa la pureza superficial del cuadro. Sin embargo, la pintura de Jackson Pollock conserva la posibilidad de recrear formas de figuras y un espacio ilusionista, donde el observador puede ver por sí mismo.

Kandinsky

Kandinsky es considerado como uno de los pintores que sembró la semilla del expresionismo abstracto.

Lo que importa no es si ha sido el primero en pintar un cuadro en el que ha desaparecido toda forma de representación de la realidad. Lo que cuenta es captar la irrevocable voluntad, durante toda su vida, de desembarazarse del objeto, del mundo de las apariencias exteriores.

Su apuesta es hacer de la obra la expresión singular del creador. Para Kandinsky prevalece la íntima convicción de que los elementos constitutivos del arte existen de forma inmanente y perenne, y que solo su síntesis con el gesto creador les hace pertenecer a un mundo de cosas tangibles.

Bibliografía:

-Tío Bellido, R. (1982) Kandinsky. Editorial Debate

-Emmerling, L. (2003) Jackson Pollock. Universidad de Granada, Facultad de Bellas Artes.

-Motherwell. Jack Flam. Ediciones Polígrafa, S. A.

-Robert Motherwell. Ediciones Polígrafa, S. A.

-Jacob Baal-Tesjuva. Rotkho. Taschen.

-http://www.biografiasyvidas.com

domingo, 23 de enero de 2011

Estrella de Diego "Echarse a la calle"

Cuando nos referimos a las bases artísticas y sus fundamentos, nos encontramos que, tradicionalmente, es bastante centralista, sobre todo en el mundo occidental, creando movimientos que se adaptan a las necesidades de cada tiempo.

De esta manera, el pensamiento occidental es binario, y en los libros de texto, por ejemplo, no aparecen movimientos tan interesantes como los que se producen en Brasil en la década de los sesenta, y que supondría una ruptura en lo concebido hasta entonces y una apertura a nuevas vías de expresión que darían lugar a movimientos que marcarían el final del siglo pasado.

Dentro del movimiento de los de latinoamerica destaca el neocontructivismo brasileño, en Rio y Sao Paulo, y con el que el arte sale de los museos, saliendo a la calle. Es un arte para usar y tocar, y no solo para ver. Podríamos citar a Lee Ya clart (El mosquito da mangueira) con sus animales contructivistas (Lo de dentro esta fuera -1964-).

El HAPPENIG es una forma de arte relacionada con el teatro, en el que las cosas ocurren sin más, y simplemente todo se lleva con una forma y en un lugar. Se trata de obras no solo para mirar sino que todo se rodea de una actuación más o menos teatral, unas veces voluntariamente y otras no, y en el que tanto el espectador como el artista están interrelacionados; y en el que cualquier idea artística anterior puede ser desbaratada, sin más.

Todo esto termina originando las Performances, en el que las acciones y actividades están mas predeterminadas, formando parte de una especie de guión.

Con todo ello, se pretende conseguir que el arte sea recibido por el espectador, a través de todo el cuerpo, rechazando que sea solo una actividad visual y nada más. Se pretende que el arte se pueda “oler”, “tocar”, poner, etc…

Así hay un arte para vestirse y usar, como el de la argentina Nicola Dacontastini, que realiza vestimentas rompiendo las maneras de occidente, con gomas imitando el cuero, así como el de la brasileña Lee Yaclart o Parangolés de Tisíca (vestido de perlas negras y cuchillas de afeitar). Son los collares y vestidos asesinos.

En fotografía tenemos a Helen Chacwick, con su famosa fuente de chocolate derretido, con la que se creaba un deseo de lo prohibido, ya que no se permitía beber de la misma al estar poblada de bacterias. Con todo ello, el arte conceptual en el que la vista es el único mecanismo por el que se accede a las sensaciones artísticas, queda relegado. Y se adopta rápidamente sensaciones como el olfato (que perdura mucho más allá), pese a que occidente se lleve mal con los olores, al contrario que otras culturas en las que el mismo tema tiene miles de denominaciones. Todo ello supone un asalto a nuestras formas de representación.

Una exposición muy interesante nos muestra una hilera de poster de motivos de nubes y que juntos forman la silueta de una mesa, y con un cartel que dice:”Coge uno”. Con todo ello, lo menos importante son los poster en si, sino que se trata de una representación en la que los espectadores forman parte de la obra. Son su esencia misma. También en estos momentos es cuando nace el arte con tampones y el arte de la fotocopia. Es el BODY COPY ART, que se realiza con el cuerpo y usando la maquina de fotocopias con las diferentes partes del cuerpo humano. Además las obras se remiten por correos y otras formas… sin cobrar absolutamente nada, con lo que de ruptura económica supone. También hay una rebeldía mostrando fotos de quirófanos o tapando monumentos en la vía pública.

Una obra curiosa se trata de una imitación de una sala de cine, donde los espectadores se deben pones unos cascos en los que suenan susurros de personas y sonidos de móviles (que previamente han sido retirados). Algo muy incómodo.

También están los Landartistas, es decir el arte se echa al campo, ya no es solo lugar las calles de las ciudades. Se busca un paisaje lo suficientemente irreal, se modifica y luego se fotografía, logrando efectos como la noción de tierra de nadie (no lugares).

Es un intento de que el arte salga de los museos y de que no vuelva mas, salvo casos puntuales. Es el nacimiento del arte activista, que llena la ciudad de Nueva York de pasquines contra el rechazo a los enfermos de sida y otras protestas de la época. Corren los 80 y aparecen los graffiteros, las camisetas, gorras y poster protestas….

No todos los graffiteros llegan a artistas, pero cuando lo hacen, irrumpen con fuerza. Es el momento de Andy Warhol y de las “Guerrilla girls” que con cabezas de orangutanes se colaban en los museos para denigrar el arte allí expuesto.

Gonzalo Guerra, por ejemplo, nos muestra un pabellón en el que para entrar es preciso mostrar el dni o pasaporte de la U.E., Luego, el pabellón esta vacio y simplemente se trata de una broma-protesta.

Para terminar, usaremos un graffiti escrito en el muro de Berlin y que decía:

“No hay futuro, pero por favor con nata”

Conferencia

Nota: Lamento los posibles errores al escribir alguno de los nombres de los artistas. Se debe que al ser artistas menos conocidos, no he encontrado el nombre exacto de alguno de ellos.

martes, 21 de diciembre de 2010

Trabajo 1

Pintura de modelo del natural a óleo

martes, 30 de noviembre de 2010

Programa de la asignatura

La programación en general me parece correcta, poco más pienso que habría que añadir para mejorarla, pero a continuación diré algunos de los puntos que quizás pudieran ser modificables.

Una de las cosas es el tema de pintar modelos del natural, a mí en particular no me disgusta, pienso que la figura humana es de las cosas mas difíciles de representar correctamente, y si eres capaz de dominar esto, posiblemente domines la representación de otras cosas más sencillas. Pero quizás, haya opiniones diferentes en este punto. De cualquier modo, al menos si fuera así, quizás los modelos no se nos resfriarían tanto.

Otro aspecto que me gustaría comentar, es el hecho de haberse quitado el examen. Estoy totalmente de acuerdo en que no creo que se pueda ver todo el trabajo de un curso en un solo examen final. Aunque quizás haya quien eché en falta esto.

Por último, hablare sobre la idea de la creación del blrog, que sin duda ha sido la propuesta que más me ha sorprendido. Debo decir que la idea me parece muy buena por varias razones: aprendes de tus compañeros, cómodo para presentar los trabajos y no se gasta papel en las entrega de ejercicios, es un lugar donde tienes recopilados tus trabajos sin ocupar un espacio físico, es rápido de acceder y puedes dejar tu opinión siempre que quieras. Solo le veo un punto negativo, y es el tema de la privacidad, al que no le guste exhibirse, esto lo verá como un problema. Pero por todo lo demás me parece un acierto.

Matisse y la Alhambra (Exposición Palacio Carlos V)

Henri Matisse 1869 - 1954 fue un pintor francés, conocido como el creador del fauvismo, y conocido por su uso del color y por el uso del dibujo fluido.

Poco se hace mención de su viaje a España. Más concretamente a la Alhambra de Granada. Cuando él en una entrevista realizada en 1947 dijo: “La revelación me vino de Oriente”. Y a este capítulo de su vida es el que voy a dedicarme a comentar.

La lección de Oriente. En 1909 La argelina, obra de Mattise anuncia la evolución del fauvismo hacia lo decorativo. Parte fundamental de la expresión artística. Y que anecdóticamente era la visión de lo que tradicionalmente la Francia del siglo XIX identificaba como español.

En su viaje a España visita el día 11 de diciembre la Alhambra, donde queda fascinado. Además habría que añadir que la Alhambra hacía muy poco tiempo que contaba con una organización destinada al turismo y su apariencia era de un monumento restaurado por los criterios de Viollet le Duc.

Fruto de este viaje son las obras “Bodegón Sevilla I” y “Bodegón Sevilla II” y que implico en el artista una nueva forma de apreciar la realidad basada en lo visual. El tapiz de Oriente, llega a ser muy importante para él, tanto que en algunos de sus cuadros se puede apreciar sus tramas.

Los hallazgos plásticos de estos viajes, corroboran la evolución hacia un espacio más íntimo en el que destacan poderosamente la figura de la mujer, como se puede ver en “Conversación bajo los olivos. 1921” y “Odalisca sentada. 1926”.

Hacia los años 40 Mattise se llena de luz y de color, y un referente indiscutible seria “Bodegón con granadas. 1947”, que coincide con la última década de su vida.

Posiblemente, el mayor interés de la exposición, aparte de poder ver en directo obras de un artista como Mattise, es el poder observar como el artista se nutre de todo aquello que le fascina para luego reflejarlo en sus obras. Por otra parte es curioso pensar cómo pasado 100 años los frutos del viaje de Mattise, vuelven a la Alhambra.

Una gran recopilación de obras de Matisse y telas orientales que dejan clara la importacia que tuvo para este autor su visita a la Alhambra, y que por otra parte, pone en manifiesto, como de importante es para un artista nutrirse de otras culturas.

Bram van Velde "El profundo dolor de un artista, le obliga a dar más sentido a un mundo lleno de mentiras"

Bram van Velde 1895 – 1981, pintor holandés que su inicio empezó siendo expresionista, evoluciono en Paris hacia el fauvismo por influencia de Mattise, y más tarde, por influencia del cubismo, fue realizando cada vez obras más abstractas. Se puede considerar un precursor del estilo abstracto.

Se intereso desde muy joven por la pintura. Su padre y uno de sus cuatro hermanos eran pintores. Su vida fue dura, se separo de sus padres siendo muy pequeño. Además sus obras fueron muy criticadas. En 1938 fue encarcelado por no renovar se permiso de residencia. Esta experiencia le marco. Afectado por la miseria y soledad, dejo de pintar entre 1940 y 1944. Otro aspecto que agravo la situación fue la Segunda Guerra Mundial. Hasta que no acabo esta, no volvió a reanudar su actividad como pintor.

Sin duda se trata de una figura muy interesante, y desde un punto de vista personal, sus ideas, la base de sus obras, es lo que realmente da sentido a su pintura. Son obras que no puedes evaluar de verdad sin antes haber conocido al artista en cuestión. Puedes mostrar empatía hacia su obra o no, pero conociendo su base, de lo que pienso que no cabe duda es de la gran sinceridad y humildad que mueve a su obra, y que posiblemente no todos los artistas tengan. Algo que difícilmente se puede entender sin haber conocido al artista. Y sin duda es digno de ser admirado.

La pintura de Bran van Velde es una vía de escape, entiende la pintura como una necesidad interior. Se enfrenta a lo desconocido. Considera el cuadro, como una batalla que puede durar semanas y que poco a poco se va viendo como se debe avanzar. Es su modo de vida.

Lo más interesante desde un punto de vista personal, es el hecho de que quizás, al menos en mi caso en particular, si hubiera conocido su obra sin haber conocido su forma de pensar, no habría causado en mi la misma sensación, y que independientemente de que comparta o no la forma de pensar de este artista, al haberlo conocido, su obra sí que me ha parecido muy interesante, y a su vez, misteriosa y desconocida. Sin duda una anotación a tener en cuenta.

domingo, 28 de noviembre de 2010

Eduardo Subirats "La revolución estética de las vanguardias y la civilización industrial"

Creo que si se pudiera resumir toda la conferencia de Eduardo Subirats en una sola frase, esa frase seria “Vanguardia no necesariamente es progreso”. En muchas ocasiones se tiene la idea equivocada de que las vanguardias fueron unos movimientos progresistas y esto a su vez se suele relacionar con la izquierda. Sin embargo, no todas las vanguardias fueron así.

No cabe duda de que las vanguardias fueron unos movimientos muy importantes en la época, pero el hecho de hacer movimientos, en algunos casos tan radicales, no conlleva nada bueno, y eso es lo que dio pies a nuevos movimientos que surgieron como contra respuesta a otros movimientos, y esto dio lugar por supuesto a guerras y problemas derivados.

Cogeré como ejemplo el futurismo (que al igual que pongo este ejemplo, podría ponerse un ejemplo del extremo opuesto). El cual por supuesto hizo aportaciones interesantes en diferentes campos. Sin embargo, por otra parte, los futuristas vivian la guerra como si fueran dioses del Olimpo, ademas, ligados al mismo futurismo estaba el nacionalismo, los cuales se desprendieron del futurismo cuando les dejo de hacer falta. Por lo tanto, pensar que el futurismo, una de las vanguardias del siglo XX, fue un movimiento progresista, es erróneo, si por progresismo entendemos una sociedad moderna y humanitaria.

Por esta razón, lo que me resulta más interesante de la conferencia de Eduardo Subirats y de las vanguardias en general, es este aspecto. El cual pienso que es el que una sociedad futura tendrá en cuenta para llegar a esa visión auténticamente moderna y progresista del mundo que menciona Oriol Bohigas, y a la que hace referencia Eduardo Subirats en su conferencia.

Conferencia